Um rosto.
Muitas vidas.

Pastel seco sobre papel; marcador sobre espelho. Tríptico. Dois desenhos realizados diante de um espelho recusam a semelhança estrita; um espelho completa a composição. A imagem é ao mesmo tempo o rosto da artista e um lugar em que outra pessoa pode reconhecer a si mesma. A obra pergunta se o eu pode algum dia ser representado separado do mundo que o constitui.

O autorretrato desloca-se do reflexo da própria artista para a presença de outra pessoa. Durante um único encontro silencioso, cada pessoa retratada torna-se o tema de um desenho que começa e termina naquele encontro. Olhar outro rosto torna-se uma maneira de olhar para dentro: não para dissolver diferenças individuais, mas para descobrir como a identidade emerge da relação.

Um autorretrato a carvão revelou inesperadamente o rosto da mãe da artista. Anos depois, sua mãe posou para um novo desenho, como parte de Autorretrato II. Os três elementos — filha, mãe e espelho — formam um encontro entre gerações. A imagem pertence a uma família, ao mesmo tempo que se abre às relações por meio das quais vidas e identidades tomam forma.

Uma fotografia de infância danificada é reconstruída por meio de restauração de imagem e desenho. A menina com capelo de formatura é a artista, mas sua presença evoca outras infâncias marcadas por anseios, papéis prescritos e o desejo de pertencer. O título remete ao poema Marabá (1849), de Gonçalves Dias, cuja protagonista de ascendência mista é rejeitada por sua comunidade. A referência literária aprofunda uma investigação pessoal sobre reconhecimento e exclusão, sem equiparar a experiência da artista à da figura indígena do poema.

Retratos e imagens transitam entre argila, gravura em metal, fotografia e cartazes de rua. Sua reprodutibilidade torna as obras acessíveis para além de um único objeto original. Concebida para uma ação coletiva vinculada à 14ª Bienal Internacional de Arte Contemporânea de Curitiba, a série aborda questões de gênero, raça, silenciamento e empoderamento. Os cartazes preservam a tipografia original em português.

Fotografias de fragmentos de argila pintada reimaginam o corpo feminino por meio do gesto, do movimento e da emergência. O corpo não é tratado como ornamento nem como forma isolada, mas como presença moldada pela fragilidade, pela força e pela possibilidade de renovação. A prática escultórica e o enquadramento fotográfico compartilham uma única investigação.

Um rosto está cercado por espirais, mas elas não são simplesmente um fundo. Elas se agrupam, dispersam-se e atravessam os limites da figura; em outros trabalhos, rostos se repetem e compartilham o mesmo campo mutável. Os desenhos perguntam onde uma vida termina e suas relações começam.

O título Pachamama nasce de um encontro com uma compreensão andina de pacha como terra, espaço e tempo. Esses desenhos são uma meditação pessoal sobre a interdependência, não uma representação de uma tradição indígena específica nem uma afirmação de que as espirais sejam seus símbolos sagrados.